RODCHENKO Y POPOVA en el Museo Reina Sofía

CartelHoy, domingo 25 de octubre de 2009, he visitado la exposición “RODCHENKO Y POPOVA. DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO” en el Museo Reina Sofía.

Impresionante. Recorriendo la trayectoria de estas dos genialidades me parecía estar recorriendo el conjunto de las vanguardias de todo el siglo XX.

Las técnicas, especialmente el collage,

Ilustración de Rodchenko para el poema Pro Eto de Maiakovski

Ilustración de Rodchenko para el poema Pro Eto de Maiakovski

Con resultados tan próximos a lo que sería más tarde Nicolás Lekuona, por ejemplo, en las composiciones con personajes

Fotomontaje de Nicolas de Lekuona. 1935

Fotomontaje de Nicolas de Lekuona. 1935

Pero también tan próximos a algunas obras de Mario Henrique Leiria e incluso Cruzeiro Seixas, en sus composiciones con recortes de color geométricos.

Maiakovski fotografiado por Rodchenko

Maiakovski fotografiado por Rodchenko

El fotografía, los retratos de Vladimir Maiakovski expresan la psicología, el interior, la profundidad de la personalidad. Podría relacionarlo con algunas obras de Otto Wols:

Autoretrato. Wols 1948

Autoretrato. Wols 1948

E incluso con algunas de Mapplethorpe:

Andy Warhol fotografiado por Mapplethorpe, 1986

Andy Warhol fotografiado por Mapplethorpe, 1986

En pintura, algunas composiciones abstractas de Rodchenko preconizaban el futuro expresionismo por sus colores oscuros, fuertes, impactantes.

Abstracción. Rodchenko, 1920

Abstracción. Rodchenko, 1920

Creo que el cubismo es previsible en las construcciones pictóricas.

Obra de Popova

Obra de Popova

Pero es que incluso algunos diseños repetitivos de Popova son preludio del Art Pop.  

Leo en los paneles que el objetivo de Rodchenko llegó a ser dejar solo las líneas y despojar la obra de ornamentos como forma y color. Sin embargo, la belleza de las composiciones, la profundidad de los colores, la sensación de vértigo de las discontinuidades geométricas, infieren una belleza hipnotizadora a algunas las obras.

Manolo y yo ya habíamos visto la obra de estos y otros representantes del constructivismo y las vanguardias rusas en diversas exposiciones. Concretamente recuerdo la que creo que sería la última que vimos en la Fundación Caja Madrid, organizada conjuntamente con el Museo Thyssen, titulada “VANGUARDIAS RUSAS”, que tuvo lugar del 14 de febrero al 14 de mayo de 2006. Algunas de las obras expuestas en el Reina Sofía ya estaban en aquella de la Caja Madrid. He copiado al final la interesante información que aparece en la web de la Fundación Caja Madrid sobre aquella exposición:

Cartel de la exposición Vanguardias Rusas

Cartel de la exposición Vanguardias Rusas

Actalmente también hay una exposición en la Fundación Canal titulada “RODCHENKO FOTÓGRAFO” que tengo interés en ver. En su web hacen esta breve presentación:

Cartel de la exposición "Rodchenko fotógrafo"

Cartel de la exposición "Rodchenko fotógrafo"

http://www.http://www.fundacioncanal.es/ 

Esta retrospectiva se compone de 125 fotografías realizadas por Aleksander Rodchenko entre 1920 y 1940. Un recorrido por su obra que muestra la incesante experimentación del artista y su defensa de los nuevos caminos de la fotografía.

Conocido como el revolucionario y pionero de la perspectiva, Rodchenko (1891-1956) fue líder del constructivismo, el último gran movimiento de vanguardia del S. XX. La muestra de la Fundación Canal procede del Museo Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia), donde se conservan gran parte de las fotografías más representativas del artista ruso.”

En la exposición del Reina Sofía se muestran por supuesto también fotografías de Rodchenko, me han impresionado las del poeta Vladimir Maiakovski que ya he comentado.

Copio la información de la web del museo:

“RODCHENKO Y POPOVA. DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO”

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/2009/rodchenko-popova.html

Fecha: 21 de Octubre de 2009 – 11 de Enero de 2010

“La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.

La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.

Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.

Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5×5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.

La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.

La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film”

VANGUARDIAS RUSAS

http://www.fundacioncajamadrid.es/Fundacion/Comunes/fun_cruce/0,0,72057_2016215*72020_2023518,00.html

“Organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, la exposición ofrecía un recorrido por la génesis y desarrollo del arte ruso de vanguardia durante el primer tercio del siglo XX.

En contra de lo que tradicionalmente se ha considerado como un único movimiento, la muestra puso de manifiesto -de ahí el plural de su título- la diversidad de tendencias, contenidos y estilos que se encuadran dentro del experimento cultural que supusieron las “Vanguardias Rusas”.

La muestra se centró principalmente en la pintura y la escultura, aunque también incluyó dos secciones especiales, una de fotografía y otra de diseño, arte gráfico y artes aplicadas. El arco cronológico abarcado por la misma se situaba entre 1907 y aproximadamente 1930.

Para Rusia y lo que iba a convertirse en la Unión Soviética se trata de un perÍodo de convulsión política y cultural en el que la vida artística se vio sacudida por cientos de exposiciones de grupo, declaraciones “teóricas” y manifiestos. La intrincada estructura formada por todos ellos ha atraído la atención de los historiadores durante las últimas tres décadas.

El recorrido se iniciaba con de la búsqueda de un nuevo arte nacional basado en las tradiciones populares rusas a comienzos de siglo. Un segundo apartado estaba dedicado a los primeros intentos por entroncar con el arte internacional europeo, principalmente con el Futurismo. Más adelante se analizaba la trayectoria de artistas fuertemente personales como Chagall, Kandinsky o Filonov.

La exposición proseguía con la abstracción organicista de los años de postguerra. Finalmente, el capítulo más extenso estaba dedicado al afán de superar el arte tradicional y de convertirlo en un medio de construcción del hombre nuevo, recurriendo a medios tan diversos como la pintura, la escultura, la fotografía o el arte de propaganda.

Con más de 280 piezas entre pinturas, esculturas, fotografías, carteles, cubiertas de libros, tejidos, cerámicas y otros objetos de uso corriente, este amplio montaje expositivo fue posible gracias a la colaboración especial del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo y de otros museos rusos como la Galería Estatal Tretiakov y museos provinciales, el Centro Georges Pompidou de París y el IVAM de Valencia, que prestó parte de su colección de fotografía del siglo XX. Asimismo, se reunieron obras de diversas colecciones privadas de todo el mundo.

El plural del título, “Vanguardias rusas”, aludía a la diversidad de propuestas creativas que protagonizaron el arte ruso de las primeras décadas del pasado siglo. Las muy diferentes búsquedas experimentales que se desarrollaron en distintas ciudades rusas, replantean la existencia en este periodo de una cohesión de estilos e ideas en una sola “vanguardia rusa”.

La rica y compleja creación plástica y cultural (arte, cine, teatro, literatura, fotografía, performances, circo, diseño gráfico, diseño editorial, manufacturas…) evidencian la presencia de un rico mosaico moderno en un momento histórico y social marcado por la inquietud, pluralidad, la libertad, la investigación y la presencia de muy fuertes e inquietas personalidades.

La muestra ejemplificaba cómo la política, la filosofía, la religión, la ciencia, la tecnología y la música del momento se ven también envueltas en este estallido cultural. Más que una detallada muestra de cada uno de los distintos movimientos considerados de vanguardia, la exposición ofrecía una visión sintética de esta etapa, al tiempo que prestaba una especial atención a la calidad de las obras por sí mismas y a los logros de cada artista.

La exposición fue comisariada por Tomàs Llorens, con el asesoramiento de un Comité Científico formado por John E. Bowlt, Nicoletta Misler, Evgenia Petrova, Ekaterina Selezneva y Maria Josep Balsach.

RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN

El recorrido, que comenzaba en la sede del Museo Thyssen-Bornemisza y finalizaba en la Fundación Caja Madrid, se dividía en cinco secciones:

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

1. La lección de los bárbaros se centraba en los años 1907-1912, un periodo en el cual los artistas de vanguardia se movieron por el sueño de una nueva cultura rusa, revitalizada por el ejemplo de una gran variedad de tradiciones populares o “primitivas”.

La sección se dividía en dos partes; la primera estaba dedicada a la imagen de una Rusia imaginaria, llevada a cabo por Kandinsky y Jawlensky desde Munich. La segunda, más extensa, se centraba en Goncharova y Larionov, aunque también incluía obras de Mashkov y del primer Malévich. Pirosmanachvili, el pintor naif georgiano, también estaba representado en ella.

2. Un torbellino de energía recogía las innovaciones formales del periodo 1912-1915. También estaba dividido en dos partes. La primera presentaba de manera conjunta el desarrollo del “rayonismo” y el “cubofuturismo”.

La segunda se centraba en el problema de representar el espacio e interactuar en él empleando diferentes materiales. Incluía obras tempranas de Tatlin, Baranov-Rossiné, Kruchenyk y Rozanova.

3. Experimentos individuales trataba de presentar la intensa investigación artística llevada a cabo por artistas individuales, los cuales eligieron trabajar al margen de formaciones colectivas y de las cambiantes asociaciones de artistas de la época. La sección se dividía en tres partes, dedicadas respectivamente a Chagall (1912-1922), Kandinsky (1914-1922) y Filonov (1914-1930).

4. El modelo orgánico ofrecía una presentación sumaria de la tradición “orgánica” que desarrollaron en torno a Matiushin, Elena Guro y los hermanos Ender.

FUNDACIÓN CAJA MADRID

5. La construcción del hombre nuevo era la sección más extensa de la exposición. Intentaba mostrar la dialéctica entre vanguardia artística y cambio político-social durante los primeros años tras la Revolución. Estaba dividida en cuatro apartados:

5.1. Suprematismo y Constructivismo recogía las investigaciones en la representación del espacio, los volúmenes y la geometría de los creadores de estos movimientos como Malévich, Popova, Rodchenko o El Lissitzky, con experimentaciones en el campo de la pintura y la escultura. En relación con este apartado, se incluía una reproducción virtual a gran escala del Monumento a la III Internacional, de Tatlin.

5.2. Fotografía ofrecía una amplia visión de conjunto de la fotografía de la época, caracterizada por una ambivalencia entre fotografía social y fotografía experimental, en la que se buscaban nuevos enfoques, nuevas perspectivas y una especial atención a la estética de las máquinas. Este apartado contaba con un importante conjunto de fotografías del IVAM.

5.3. Diseño gráfico y arte y propaganda. Este ámbito constituía un ejemplo del interés por las artes aplicadas que caracterizó a buena parte de la vanguardia durante los años veinte, en concreto por las publicaciones y el diseño gráfico. Destacaban las cubiertas de revistas y libros, y en particular la extensa producción de carteles, sobre todo políticos, pero también de otros géneros.

5.4. Arte de la vida cotidiana, recogía algunos ejemplos de la estética del movimiento moderno aplicada a los objetos de la vida diaria, con muestras de tejidos estampados, cerámica, vajillas, bandejas o tinteros”

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1 Response so far »

  1. 1

    Charo said,

    Gracias, porque esto lo he visto gracias a tu recomendación.

    ¡¡¡Eres una mina!!!

    Mil besos,


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